martes, 23 de octubre de 2012

Gone with the wind.

Ambientada en la Guerra de Secesión estadounidense, la novela de Margaret Mitchell "Lo que el viento se llevó" llegó a su popularidad mundial con su adaptación al cine en el año de 1939.

Gone with the wind nos narra el apogeo y decadencia de Tara, así como la evolución de niña a mujer del personaje de Scarlett O'Hara en torno al cual, se desarrolla toda la historia. De una niña enamorada de Ashley Wilkes, pasando por 2 bodas las cuales propició por venganza y conveniencia podemos ir conociendo su perfil moral, muchas veces acompañado de una personalidad y belleza avasalladoras de una mujer que parece importarle muy poco incluso traicionar a su propia sangre. Algo, que hasta cierto punto es bastante contradictorio pues por lo único que siente mucho más amor que por Ashley, es por Tara.


En muchos momentos su debilidad y amor hacia los suyos se deja entrever, sin dejar de lado a la Scarlett engreída, vanidosa y egoísta que al parecer, no tiene límites.


Perseverante, inteligente, bastante guapo y sinverguenza, Rhett Butler es el tercer y último matrimonio de Scarlett y es, en esta parte en la que de algún modo los dos personajes más importantes de la película chocan, cambian y evolucionan llevando la historia hasta un final que en cierto punto era bastante predecible. Con personalidades bastante fuertes y apasionadas, la historia es un vaivén de emociones durante las 4 horas que dura la película.


El amor a la tierra, a la familia, la lealtad, la guerra y por consiguiente la muerte. El renacer de todo un pueblo, que no vuelve a ser el mismo, amores puros y enfermizos, Gone with the wind tiene todos estos elementos que la han convertido ya, en un clásico.


Por


Beatriz Franco.

domingo, 21 de octubre de 2012

Las chicas del montón


Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón

Dirección: Pedro Almodóvar
Producción: Pepón Coromina, Pastora Delgado, Ester Rambal
Guion: Matías Celiz
Protaginistas: Carmen Maura, Félix Rotaeta, Olvido Gara, Eva Siva.

Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón.Hablar de un genero en el cine resulta realmente extenso, pues existen tantos puntos de vista sobre un genero o sobre un tema como directores o películas que la tratan. Hay muchos tipos de humor, el utilizado por el director y guionista Pedro Almodóvar lo encuentro básico y fundamental para el cine. El humor negro, un tipo de humor que toma situaciones que deberían generar cualquier otra sensación menos la comicidad o la risa y las convierte en sátiras. Los temas elegidos suelen ser temas difíciles, polémicos y controversiales como sexo, asesinatos, suicidio, enfermedades, pobreza, política. Los más recurrentes en Almodóvar suelen ser la muerte y las violaciones, así como las drogas y temas de genero.

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón es una pelicula de inicios de los 80's que empieza con la violación de Pepi que desencadenará la venganza de ésta. En su intento de venganza, Pepi, interpretada por Carmen Maura, tiene un extraño acercamiento con la esposa de quien fue su violador, un personaje sumamente bizarro y sumiso que involucra sexualmente con Bom, una de las amigas de Pepi. Se trata una serie de temas muy fuertes, todos ellos con un tratamiento sátiro que se podría llegar a confundir con ligereza. Tenemos por ejemplo, la corrupción de la policía, la drogadicción, la prostitución, violencia en varios tipos.

Pepi, Luci y Bom, así como todas las mujeres de Almodóvar,  realzan por su atrevida fortaleza, son creadas por él como herramienta para una critica de la sociedad,  si no que realiza una satira de la sociedad punki madrileña.

 Almodovar tiene una manera muy peculiar de hacer comida, con un humor muy negro y dialogos fuertes y atrevidos. Algunos de ellos podrían caer y ser conciderados groseros, pero dentro de su estilo atrevido, suele ser muy cuidadoso se sus frases, de sus modos y entonaciones. Y aunque sus ultimas películas se disfrazan de drama creo que ninguna de ellas a perdido la comicidad y la peculiaridad muy típicas de él. Yo tengo que reconocer que soy toda una fan enamorada de Almodovar y de la Maura, sobretodo de la Maura en esta película.


Pelicula completa. Pepi, Lucy y Bom y otras chicas del montón.


lunes, 17 de septiembre de 2012

81/2 - Federico Fellini (1963)

Desde las primeras escenas que nos muestran la huida de Guido, la cual termina en un vuelo del que finalmente es atrapado para bajar así nuevamente al "mundo material" nos transmite la sensación de asfixia por parte de este personaje, el cual se encuentra en esta situación por una falta de motivación e inspiración para crear un nuevo guión para su próxima película



8 1/2 gira en torno a la figura de Guido y no hacemos más que navegar en su mundo, siempre en el limbo de saber o no que está pasando "realmente". Hasta cierto punto esa duda se esfuma, cuando vamos anudando pasajes de su vida de una manera bastante surrealista. 

Encontramos en medio de su ahogo existencial escenas de su infancia que juegan el papel de conciencia, las que al mismo tiempo forman parte de los miedos, presión y creatividad de un director que se encuentra sin una "motivación" aparente, la cual existe en su mente y no ha sido capaz de percatarse, sino hasta el final.


Por

Beatriz Franco.

domingo, 16 de septiembre de 2012

La fuerza del discurso

Por Gabriela Eguren

Cuando hablamos de cine documental hablamos de un cine que profundiza una realidad que puede o no ser cercana para el espectador, el cine documental es un cine subjetivo, aunque trata de mostrarse de manera imparcial, que plantea discursos sociales sobre determinados temas. Los documentales suelen convertirse en discursos sociales en el que el director pone en manifiesto un sentimiento personal, por ende subjetivo, de aquello que desea dar a conocer.
 
Diversos temas han sido elegidos con la intención de concientizar al espectador, la ganadora del Oscar en el año 2006  "Una verdad incómoda" dirigida por Davis Guggnheim trata de dar a conocer los efectos del calentamieno global y los efectos que este tiene sobre la población y el mismo planeta que camina hacia la completa destrucción. El documental también fue utilizado para presentar formas de vida lejanas y desconocidas como el documental "Viva Mexico, de Sergei M. Eisenstein, que muestra a la sociedad ansestral mexicana de manera utópica. Donde cada una de las tomas las realiza con una calidad excepcional, con nos planos conjuntos que nos introducen a sus diferentes festividades.
 
El cine documental también sirvió como propaganda para idea politicas, la directora, acriz y fotograda alemana, Leni Rifensahl, realizó diversas producciones propagandísticas del régimen Nazi. Realiza "La Trilogía de Núremberg" conformado por "Victoria de fe", "El triunfpo de la voluntad" y Días de libertad: Nuestras Fuerzas Armadas". Sin embrago se consagra como directora con "Olympia" una mega producción de más de cuatro horas en las que filma los juegos olimpicos de Berlin (1936) o los también llamados  Las Olimpias de Hitler. Olympia más allá de su alto contenido politico destaca pues significó un gran avance en cuanto producción y tecnología, destaca por sus enfoques instantaneo del movimiento y  por las tomas en cámara lenta. Olympia tiene una visión romantica de la Alemania de aquellos tiempos, una que se Alemania tal vez con un pasado clasico y equilibriado que se trata de volver a alcanzar, como lo muestra al inicio del documental al mostrar las esculturas griegas.



Production: Olympia-Film GmbH
Production management: Walter Traut
Director: Leni Riefenstahl
Camera: Hans Ertl, Walter Frentz, Guzzi Lantschner, Kurt Neubert, Hans Scheib, Willi Zielke, Andor von Barsy, Wilfr. Basse, Jos. Dietze, E. Epkens, F. von Friedl, Hans Gottschalk, Richard Groschapp, W. Hameister, Wolf Hart, Hasso Hartnagel, Walter Hege, E. von der Heyden, Albert Höcht, Paul Holzki, W. Hundhausen, H. von Jaworki, H. v. Kaweczynski, H. Kebelmann, S. Ketterer, Albert Kling, Ernst Kunstmann, Leo de Laforgue, Lagorio, E. Lambertini, Otto Lantschner, Waldemar Lemke, Georg Lemki, C. A. Linke, E. Nitzschemann, Albert Schattmann, Wilhelm Schmidt, Hugo Schulze, L. Schwedler, Alfred Siegert, W. Siehm, Ernst Sorge, H. von Stwolinski, Karl Vass
Music: Herbert Winde, Walter Gronostay


http://www.youtube.com/watch?v=tOZyHvS-zC4

lunes, 9 de julio de 2012

Érase una vez en México.



Por Ana Gabriela Portillo Espinoza.


Esta continuación de la entrega de La Balada del pistolero (Desesperado) plantea un discurso similar, movido por una suerte de gusto exquisito por la acción que se plantea a través de estas coreografías y el juego de la cámara planteado por lo movediza e inquieta que resulta la captura de cada escena. Asimismo el humor se hace presente en algunas escenas, dando mayor dinamismo a la composición, tornándola a veces un poco latosa y con cadencias en la trama.
La trama se ve relacionada a la historia política que ha envuelto a México, a las revoluciones, al narcotráfico, y a todas las mafias que se mueven alrededor de estos círculos; además de tener un contenido altamente patriota, identificado con el pueblo mexicano, por su protesta clara a todas las injusticias que se dan del estado norteamericano hacia el mexicano. Todo esto se ve reflejado en este film, más aún en el personaje interpretado por Johnny Depp que es un agente de la CIA que hace tratos con la mafia que maneja el tráfico de drogas en el lugar donde se desarrolla el film. Él cree tener el control de cada uno de los movimientos de los personajes.
Cabe resaltar que de críticos han mencionado encuentran un símil dentro de esta secuencia de películas con un recordado Western, específicamente a un personaje llamado "spaghetti western".
Aunque sigo sin entender la necesidad de poner a Enrique Iglesias dentro del reparto (que por cierto es totalmente fatídica, sobreactuada y un tanto patética), no dudo en que este film es una clara muestra de la genialidad y creatividad que Robert Rodríguez ha venido mostrando en sus anteriores entregas.

sábado, 16 de junio de 2012

Las horas


“Oh, señora Dalloway, siempre dando fiestas para cubrir el silencio”

Dirección Stephen Daldry
Dirección artística Mark Raggett
Judy Rhee
Nick Palmer
Producción Scott Rudin
Robert Fox
Guion David Hare
Música Philip Glass
Fotografía Seamus McGarvey
Montaje Peter Boyle
Vestuario Ann Roth
Protagonistas Meryl Streep
Julianne Moore
Nicole Kidman
Ed Harris
Miranda Richardson
Se nos son presentadas las horas más difíciles de la vida de tres mujeres, las horas de quiebre, “era un día en la vida de tres mujeres, y en ese día, toda su vida”. Tenemos  a la magnífica Virginia escribiendo su primera obra en 1923, a  Laura, una esposa de la postguerra con un marido y un hijo ejemplar y otro por llegar.  Más cercana  a nosotros, tenemos a Clarisse, una editora neoyorquina  a quien llaman Mrs. Dalloway, es este exactamente el hilo conductor entre estas tres mujeres,“Mrs. Dalloway“.
Stephen Daldry de la mano de Peter Boyle nos lleva de una manera excepcional a viajar por tres épocas, por tres ciudades, de manera delicada  pasamos por diversos escenarios. Utiliza tanto la imagen como el color y el texto para desplazarnos entre  las épocas, entre las vidas, entre los pensamientos y sobre todo entre las angustias.
Peter Boyle y Stephen Daldry  nos hacen bailar con las más delicadas sinfonías, somos más que simples espectadores, nadamos en las angustias, en los dolores, en los días y en las horas, en las mentes de nuestras protagonistas, no existen violentos cambios de escenas, sino que de manera natural avanzan, retroceden, se conectan.  Parecen flotar de  manera natural las flores ente New York, Londres y  Los Ángeles, como la más importante invitada a la hora del té,  a la fiesta de cumpleaños o una premiación. Puertas y ventanas que se abren y se cierran al ritmo d    e los pasos y las ciudades.  Es realmente asombrosa la sincronía tanto de emociones como imágenes. No puedo dejar de mencionar la presencia de la comida, cada una de estas mujeres tiene una relación complicada y difícil con la cocina, la cual sirve de vínculo  entre ellas y su propio entorno, Clarisse tiene un punto de quiebre en la cocina y otro de tensión al partir los huevos, Virginia y Laura huyen de sus cocinas, de sus mesas del comedor, con tantas fuerzas como de sus esposos.
Los diálogos rompen las barreras del tiempo y el espacio, Virginia escribe, Laura lee, Clarisse actúa. Las figuran danzan, las escenas bailan en un ritmo sencillo y matural que logra introducir al espectador en las distintas épocas con un sencillo juego en el pelo o un reflejo en el  espejo.


lunes, 4 de junio de 2012

La Sombra del Vampiro.




La sombra del vampiro, Nosferatu.

Por Yesenia Dávila Torres


La sombra del vampiro, una película de Elías Merhige del año 2000 en la que sus protagonistas son el director de cine Murnau, quien produce la película Nosferatu y Max Shreck (auténtico vampiro) el actor principal de su producción. Murnau se había planteado generar una película sobre vampiros como jamás se había visto antes hasta el punto de llegar a contratar a un vampiro verdadero para que encarnara al siniestro personaje. Shreck no es el tipo de vampiro convencional pues tiene personalidad introspectiva y muy alejada de la sociedad, todas estas son características que fascinan al productor y no se preocupa por realizar ningún cambio en él, lo único que busca es guardar esa extraña imagen para la posteridad. Para conseguir los favores del sangriento personaje dentro de su film, Murnau tuvo que realizar un cruel pacto; este tenía que otorgar la sangre de la hermosa Greta, actriz dentro de Nosferatu, a Shreck quien a cambio iba a controlar cada uno de sus impulsos y dar vida al tan ansiado personaje. Las grabaciones son en espacios naturales, sin mayores efectos, oscuros tétricos; el pacto entre el productor y su estrella sólo va a ser revelado en el momento adecuado.

En la última escena de la grabación, el más ansiado momento para Shreck, Murnau tiene al tanto a sus ayudantes de lo que va a suceder, pero Greta desconoce del trato y al darse cuenta de que Shreck no cuenta con sombra se desespera a lo que el productor le aplica heroína para calmarla y continuar con su labor, es ahí cuando se empieza a revelar la fanática personalidad del director quien dirige en todo momento a su sanguinario personaje y de quien después pierde el control pues asesina a cada uno de los presentes pero éste parece no notarlo pues sigue dirigiéndose a ellos como si no sucediera en la realidad, no para de girar la pequeña manivela de su cámara a blanco y negro y aún cuando el vampiro se dirige a él en tono amenazante este le recalca que si no aparece en una grabación no existe, palabras que parecen llegar a Shreck quien muere tras ser expuesto a la radiante luz solar, todo esto grabado por Murnau sin parar un instante pues se encuentra perdido en el éxtasis que le produce su sublime obsesión, la cámara.